Conejo áureo

Junio 7, 2008

El arte y el artista hoy

Archivado en: arte, exploración teórica — by aly @ 7:34 am
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mira a traves by aly

Para que haya una condición del fenómeno arte debe haber dos canales abiertos de comunicación. El artista podría crear un objeto de arte único e irrepetible, original; pero si el entorno en el que se halla este artista no es capaz de percibir el fenómeno artístico, entonces ese objeto de arte no es apreciado como tal.

La sociedad cosmopolita de hoy, sufre de una soberbia insólita, cree que sabe de todo, no se detiene mas de 5 minutos a permitirse la comunicación con la obra. Si el objeto de arte “no le grita y le pica las entrañas o el intelecto” entonces no lo conmueve y no lo motiva a sentarse frente y permitirse una comunicación mas profunda con la obra.

Cuando voy a los museos o galerías, he observado la falta de ojos en muchas de las personas que los visitan, éstas inmediatamente buscan un referente textual que les permitan “conocer” lo que están viendo, al buscar con la vista la tarjeta de al lado que les comunique qué es eso que están viendo, se detienen a leer todo lo que esta en el recinto, pero no ven las obras con los ojos.

A ésta sociedad le falta mucho, se ha desarrollado en aspectos técnicos y tecnológicos; aspectos de razón que le dan la razón a todo.

Pero se ha perdido de la necesidad de darse el tiempo, tiempo para admirar la belleza en una pequeña flor de campo y su conexión con el universo y consigo mismo.
Siendo así, es casi imposible que los fenómenos artísticos se den como tal; todos los artistas visuales se percibirán como artesanos aunque entre esa gran bola haya artistas originales, estos no podrán verse.

Mayo 1, 2008

La locura y el arte

Archivado en: exploración teórica — by aly @ 6:23 am
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Cabello largo - Long hair

Siempre me ha parecido super interesante esto de que coloquen al artista (pintor, escultor, actor, escritor etc) como “loco”, creo que también ha habido épocas en los que lo colocaban como “iluminado” de algún dios. El caso es que hoy por hoy la sociedad aún no se ha detenido a observar que los artistas son profesionales de su oficio.

Un loco verdadero es incapaz de pensar, racionalizar y emitir juicios creativos precisamente por la enfermedad mental que sufre. Siempre estará a merced de la enfermedad.

Hacer arte, desde la acepción más básica de la palabra tiene que ver con la expresión de una habilidad que tiene reglas y preceptos y que además se hace bien; una persona incapaz mentalmente, es incapaz de llevar a cabo alguna reflexión acerca de conocer si la expresión de su arte es correcta o no; la expresión gráfica de los enfermos mentales deriva de su inconsciente y su resultado nunca es evaluado desde los parámetros establecidos anterior a la obra, es pura expresión.

Es la diferencia entre el grito y el canto. Los locos verdaderos no conocen de sus razones, algunos son incapaz de verse a así mismos…y bajo estas circunstancias habría muy poca la reflexión en la que ellos podrían hacer de su trabajo artístico.

En el caso de Van Gogh, he leído que él podía percatarse de su enfermedad y eso lo limitaba en su quehacer pictórico. Cuando no tenía crisis podía muy bien relacionar conceptos y establecer una reflexión sobre su quehacer pictórico y era en ese momento en que podía pintar.

Algunos podremos ser y vivir en el borde (borderline) pero seamos o no artistas, se expresa esa cualidad en la vida y quehacer. Y vivir en el borde se sufre por ello, no es algo de lo que se pueda sacar partido.

La creatividad es otra cosa… es la habilidad que tenemos de ser flexibles y permitirnos desde la lógica de jugar con razonamientos y materiales de trabajo, para juntarlos, manocearlos, separarlos, esconderlos…todo y cualquier cosa en permitido; eso es parte de la regla…la regla de ser creativos…o jugar con los límites y forzarlos hasta ver hasta donde es posible seguir con ellos.

Sin embargo y desde mi perspectiva, el arte o la pintura como profesión nada tiene que ver con vivir desequilibrado.

Muchos psicólogos y psiquiatras utilizan el lenguaje gráfico como medio de comunicación con su paciente pues en su análisis del significado de las formas, éste se valida, ya que de esta manera se conoce íntimamente al enfermo.

Sin embargo y con respeto a ellos, debo confesar que siento pena cuando veo libros publicados en donde renombrados psiquiatras o psicólogos hacen toda una tesis para estudiar el perfil psicológico de Da Vinci, Miguel Angel o cualquier otro pintor; tomando como base de análisis su obra pictórica. Desde mi punto de vista analizar psicológicamente cualquier obra pictórica de pintores profesionales es como evaluar psicológicamente a un arquitecto por el estilo de sus edificios.

Los pintores profesionales conocen el significado de las formas y el valor e impacto de los colores para emitir determinado mensaje, en los pintores profesionales casi nada es al azar. Siendo asi que el estudio psicológico se convierta en una pérdida de tiempo.

Un caso fantástico que me viene a la mente, es el poeta Portugués Fernando Pessoa, hombre maravilloso, inteligente y gran Artista (con mayúsculas) que conociendo el lenguaje y sus formas, lo utilizó para hacer creaciones. Muchos psiquiatras podrían evaluarlo como esquizofrénico analizando su obra, nada más falso ya que casi nada en Pessoa es azaroso, arbitrario o inconsciente.

Otro caso interesantísimo es Van Gogh como ya lo mencioné; hombre enfermo mentalmente y además gran Artista y pintor. Todo su trabajo pictórico, tiene que ver con una ocupación y preocupación constante de controlar todos los elementos pictóricos (colores y composición) para expresar sus impresiones sensoriales; no hay que olvidar que el estaba inmerso en la corriente impresionista, la estudiaba y practicaba sus métodos. Nada es al azar, casi nada es inconsciente en la obra pictórica de Van Gogh.

Otro ejemplo de seudo locura es la extravagancia con que Salvador Dali se mostraba al mundo. Artista genial con una habilidad pictórica magistral, en donde el Surrealismo encontró eco; razón por la cual muchos confunden la locura con surrealismo.

Desde hace ya mucho tiempo, algunos artistas han explotado su condición de “locos” como una manera de sentirse interesantes y diferentes e incluso la utilizan, la manipulan y algunos mas escogen “ser artistas” se van por ahí como válvula de escape. En mi opinión esa manera de conducirse es mas perjudicial que beneficiosa pues es dar “pan y circo” en una sociedad en donde los bufones dejaron de existir desde hace ya mucho tiempo.

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Abril 27, 2008

Arte-Horror-Belleza-Compasión

Archivado en: exploración teórica — by aly @ 7:32 am
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El horror es un sentimiento, el sentimiento es resultado de factores físicos y culturales.
La belleza es una propiedad encontrada en las cosas o situaciones que nos hacen amarlas y también es el resultado de factores culturales.

Encontrar belleza en un acto que nos infunde horror es una de las grandes posibilidades que cualquier ser humano puede llegar a experimentar y deviene en un asunto espiritual. Y no es por ningún motivo, algo que nos dé alguna gratificación (mas bien es gratificante) ya que la belleza no es un bien consumible, aunque muchos así lo utilicen. Percibir la belleza es una acto espiritual.

La compasión es un acto de voluntad en el que se muestra pasión y afecto de ánimo respecto a algún fenómeno estético. Se necesita de ser compasivo para poder expresar y experimentar belleza en algún acto lastimoso, este acto esta combinado con un deseo de aliviar o reducir el sufrimiento de otro, y esta relacionado con otorgarle dignidad a ese sufrimiento.
Para encontrar belleza es necesario mover los mecanismos de la pasión y del ánimo, pocas veces es un asunto de retorcimiento racional, aunque algunas personas necesiten de hacerlo.

La experimentación estética es en gran medida un asunto de ánimo, es decir es un principio de esfuerzo y energía para experimentar, y permitirse abrir los sentidos y muy poco la mente. Los juicios de la mente quedan para crear categorías y etiquetas a lo experimentado y así crear la moral en las culturas.

Y ahora pienso, que el cineasta Peter Greenaway y el Pintor Arturo Rivera son compasivos.

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Abril 19, 2008

Ser autodidacta o autoaprendizaje

Num 115

Después de los intensos debates en algún grupo acerca de este punto, me sentí comprometida a escribir algo acerca de este tema, debo aclara que esto que les comparto es desde mi perspectiva y desde mi experiencia tanto como docente como alumna y autodidacta.

Primero creí necesario buscar el significado de la palabra autodidacta y hacer una diferencia fundamental con ser aficionado, se los comparto:

  • aficionado, da. (Del part. de aficionar). adj. Que siente afición por alguna actividad. Aficionado a la lectura. || 2. Que cultiva o practica, sin ser profesional, un arte, oficio, ciencia, deporte, etc. (diccionario RAE)
  • autodidacto, ta. adj. Que se instruye por sí mismo. (diccionario RAE)
  • -Todo aquel organismo que por sus propios medios realizar el aprendizaje de nuevos conocimientos. (Gonzalo - http://www.psicopedagogia.com/definicion/autodidacta)
  • -Sujeto que lleva a cabo un auto-proceso de enseñanza-aprendizaje partiendo de su juicio crítico de los conocimientos adquiridos y por adquirir. (JUAN ANTONIO FUENTES ESPARRELL - http://www.psicopedagogia.com/definicion/autodidacta)
  • Autoaprendizaje. El autoaprendizaje es la forma de aprender principalmente por uno mismo. Consiste en aprender buscando uno mismo la información, haciendo prácticas o experimentos. A una persona que aprende por sí misma se le llama autodidacta. (http://es.wikipedia.org/wiki/Autoaprendizaje)

Siendo así estoy comprendiendo que la persona autodidacta es aquella persona responsable por llevar a cabo con éxito su propio aprendizaje en determinada área con la finalidad de convertirse en profesional. A diferencia de un aficionado es el que practica el oficio sin llevarlo a lo profesional; es decir que en el caso de la pintura no ejerce las características de la profesión que sería producción de obra, exposición y/o venta (que recibe una retribución de cualquier tipo o que es consumido su arte de alguna manera) de obra a terceros.

Uno de los problemas en la que nos enfrentamos los autodidactas, es en la validación de nuestros conocimientos ante los demás. ¿porqué es importante esto? sencillamente porque el ser humano es un ente social. De hecho, el conocimiento es una herramienta social, que nos permite sobrevivir y resolver problemas. Ya que nos podemos comunicar entre nosotros y también podemos vernos a nosotros mismos y hacer autovaluaciones es que heredamos nuestros conocimientos a generaciones posteriores y esto conforma y realimenta el conocimiento de la humanidad.

Antes que cada uno de nosotros naciera, ya existen en la humanidad conocimientos archivados que se nos van a pasar a cada uno mediante la educación ya sea formal o informal. Asi es que antes de que cada uno de nosotros pueda inventar algo nuevo, seguramente antes ya hubo alguien que experimento en ello.

La escuela sirve para eso (entre otras cosas), para informarnos acerca del conocimiento que la humanidad ha ido generando durante generaciones enteras. Gracias a la escuela es que no tenemos que inventar la rueda cada vez que quiera experimentar en como mover una piedra.
La escuela también nos sirve como medio de validación de conocimientos adquiridos y desarrollados nuevos. De hecho uno de los objetivos de la Tesis es precisamente desarrollar un enunciado de verdad que mediante experimentos practicados y el uso de la teoría hago válido o desmiento determinado conocimento ya sea generado por mi o por otros; además el documento queda como retroalimentador de ese conocimiento a futuras generaciones.

Incluso los “autodidactas puros” llevan es su sangre conocimiento de generaciones anteriores.

El aprendizaje de cualquier ciencia o procedimiento, es en parte autodidacta y en parte asistido por otros, ya sea físicamente teniendo a un maestro a nuestros pies, a nuestros amigos con mas experiencia, o de algún libro escrito por alguien con experiencia en el tema.

Entonces si hemos de ser autodidactas de manera en que tenemos en nuestras manos la responsabilidad de nuestro aprendizaje es menester hacerlo lo mejor posible. Y para hacerlo lo mejor posible hay que abrir los ojos, el corazón y nuestra percepción, buscar información que pueda faltar y experimentar en ello. No cometer el error de afirmar cosas que no se han experimentado con anterioridad, ser humildes ante la fortaleza que da el saberse autosuficiente, hacerse amigo de los expertos y procurar los conocimientos de la escuela o academia. Y entonces poder crear por uno mismo conocimiento válido que pueda transferirse a generaciones posteriores.

Abril 10, 2008

Critica mi cuadro

Archivado en: exploración teórica — by aly @ 10:26 am
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mateo 01

* Cuantas veces nos hemos encontrado ante una crítica de nuestro trabajo pictórico y de pronto nos sentimos deshechos ante los argumentos expuestos.

* Cuantas otras pedimos que nos hagan una crítica de nuestro cuadro y lo que recibimos no es lo que necesitábamos escuchar pues no construye en nada nuestro quehacer.

Para que esto no suceda y también para saber pedir lo que necesitamos escuchar, hay que pedir una crítica constructiva, y para estar preparado para ello, nosotros tendríamos que haber sabido de antemano varias puntos acerca de nuestra pintura, ahí te van algunos:

  1. Saber cuál es mi objetivo principal de haber pintado ese cuadro. A veces solo fue una ocurrencia, otras se pinta con un tema en particular, otras veces para practicar la técnica.
  2. Saber los tropiezos con los que me encontré y los hallazgos en el proceso.
  3. El tipo de paleta que utilicé y la razón de esta elección.
  4. Saber mis puntos fuertes y puntos débiles en mi pintura.
  5. El tipo de estilo en obra pictórica en la que considero estoy inscrito.

Y… ¿porqué y para qué se necesitaría toda esa información? Para que el vaya a exponer la crítica tenga elementos que haga del ejercicio, uno constructivo. Si no aportamos esta información o si no nos tomamos la molestia de saberlo, estaremos a expensas de cualquier comentario azaroso que puede o no estar acorde con nuestra pintura.

Para que haya una crítica constructiva debe haber dos canales y ambos deben estar abiertos para que haya comunicación constructiva.

Sin embargo si lo que necesitamos es solo un comentario de nuestro trabajo, deberemos estar preparados para enfrentar cualquier cosa y aceptarlo como es, solo un punto de vista personal hacia nuestra pintura. y por supuesto agradecerle a la persona que se tomo el tiempo de expresar lo que piensa de nuestro trabajo.

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