“Lindo”
1. Es la expresión clara de que lo observado es perfecto, hermoso, bello, exquisito y grato a la vista.
Es la expresión de la pura y sencilla experiencia estética

Ejemplo práctico:
Encontrar una bella piedra de rio montada sobre un cuadrado hecho de madera de encino negro bellamente lustroso en fondo rojo.

En la experiencia estética se podría exclamar: “que linda pieza de rio y encino negro” En en interno, esta experiencia da nota e importancia de los colores y texturas del objeto, viviendo la belleza del objeto en si mismo, tal como es de la misma manera la experiencia es suficiente y plena.

En la experiencia intelectual, exclamar: “Que pieza de rio y encino negro tan interesante” en el interno esta expresión esta dando nota de la utilidad y provecho que esa pieza encontrada pueda otorgarle al espectador. Quizá encontrase que esa pieza pueda servirle para tallar la hoja de un cuchillo o que esa pieza pueda ser generadora de nuevos conceptos intelectuales no hallados anteriormente.

A lo largo de la historia de la pintura se ha investigado varias maneras de representación, cada una de ellas conlleva en si misma una declaración filosófica o estado cosmogónico de puntos de vista respecto a la realidad.

Pregunto, hasta donde tu recuerdas: ¿a partir de qué año se han dejado de hacer proporciones pictóricas? hasta donde recuerdo es el hiperrealismo una de las ultimas propuestas pictóricas y data de los años sesentas del siglo pasado.

Para definir. Una propuesta pictórica es el resultado de una investigación en donde las hipótesis se plantean mediante el uso de nuevos materiales (el acrílico ha sido uno de los últimos materiales inovativos y data de los años 50´s), las propuestas de composición que plantean nuevos discursos visuales (las composiciones planimétricas con Rothko, o la expresión del gesto en el Tachismo o del Arte Informal), la investigación en el uso del color y nuevas maneras de composiciones tonales (el uso de yuxtaposición de tonos en Los Impresionistas) e incluso la investigación en la estructuración de composiciones en formatos de dos dimensiones (el uso de la sección áurea o la perspectiva curvilínea). De lo que yo recuerdo casi todos estas innovaciones fueron en el siglo pasado.

Se habla mucho del arte contemporáneo como si todo lo que se presenta hoy en los grandes aparadores de bienales y exitosas galerías fuera arte contemporáneo.
Yo observo una masa informe de tendencias… quizá la tendencia hacia el caos y la capacidad de crear controversia hace de estas características las del arte contemporáneo.
Acerca de la pintura en el arte contemporáneo alguien me puede decir ¿qué se ha propuesto? Quizá desde este punto de vista sea válido el enunciado de la muerte de la pintura.

El saber pintar y dibujar bien ya no es de importancia cuando de propuestas pictóricas se trata. El pintar y dibujar bien son materias que se deben tener en cuenta en una buena propuesta pictórica, pero demostrarlo no lo es todo.

Nosotros los pintores estamos muy preocupados por las ventas de nuestro trabajo, asi como de sobresalir de los demas y que una galería nos represente. Todo esto es muy válido cuando de pagar la renta, comida y materiales se trata; pero ¿quién esta investigando en la pintura? Ya estamos en el siglo 21 y aun no se asoma la punta en el iceberg, de lo que se esta gestando como la nueva pintura.

La infinitud, la falta de completitud…la aceptación de la realidad.

Comprender las rectas: Las lineas rectas de un punto A a un punto B existen solo a modo milimétrico dentro de un enorme universo caótico.

La aceptación del vacío existencial podría ser un paradigma psicologico que nos lleve a la felicidad. Nada que existe, existe por si; algo lo causó. El sentido de falta que nos lleva al consumo obsesivo no puede ser resuelto a menos que experimentemos el vacío que nos conforma.

En el proceso del autoconocimiento o del conocimiento acerca de algo tiene forma de espiral, a veces percibimos que no hemos llegado a ninguna parte porque nos “vemos” de pronto en el mismo punto. O de pronto creemos que no hemos avanzado en mejorar nuestras vidas…Piaget nos explica este fenomeno.

Que bueno que los Criticos DEL Arte NO son productores del arte. Y habremos de diferenciar de entre ellos a los Críticos DE Arte de los Críticos DEL Arte

El arte lo producen los artistas, ¿existe no-arte entre la producción de los artistas? ¿qué es no-arte? ¿los criticos DEL arte le explican a los artistas qué es el arte? ¿Habremos de crear la estética del NO-Arte?

Si los críticos de arte existentes no ofrecen nada a la producción artística habremos de autojustificarnos; y es que he leído a algunos “criticos de arte” que son pretenciosos en sus textos “raciocinados” para dar por desvalida la producción artística del momento: ¡Panadero a tu pan!

Si un critico de Arte NO puede ver alguna expresión artistica NO es Critico de Arte ya que al no utilizar los medios y las herramientas que le da su profesión en el entendimiento de la produción del momento se convierte mas bien en Manipulador de Masas.

El uso del texto como medio de producción y expresión artística ya tiene varios nombres y “critica DEL arte” NO es uno de ellos.

Críticos DEL Arte que en actitud pendenciera autojustifican sus resentimientos para hacer validar solo uno o dos tipos de expresión artística en sus “análisis” acerca del arte.

Los críticos DEL arte que no ofrecen mas que deshaliento y que pretenden manipular con palabras una sola corriente en la producción artistica como Arte (con Mayusculas) no están haciendo mas que validando sus propios juicios y poniendose por arriba de la producción de arte.

Los criticos de arte NO son los que dicen que SI y que NO es arte; son los que explican Qué y Cómo es el arte imperante; y es el tiempo y la evolución social la que encuentra de entre las expresiones su verdadero valor.

Gracias a la cosmogonía que los artistas son libre-pensadores, creadores, de pensamientos holíticos NO-limitadores en donde “el Encontrar” esta por encima del “No Hay”

Que bueno que los artistas No son Criticos DEL Arte pues nos encontraríamos que la producción artistica sería semejante a una fabrica de sillas bonitas y modernas o en la producción vacía de artefactos raros y controvertidos.

¡Hacen falta Críticos DE Arte!

Enlaces Relacionados:

* Los Limites entre el Arte y no-Arte
* Superstición y Dogma en el Arte
* Arte del No Arte
* Basura? No, Arte
* We make money not art
* Googleando no-art (imagenes)

El Hiperrealismo data de mediados del siglo XX , se desarrolla en los Estados Unidos y propone reproducir la realidad con mas objetividad de como lo hace la Fotografía.

Para empezar a comprender este movimiento estético habremos de descomponer la palabra hiperrealismo para empezar a entender lo que significa en si mismo la palabra. Hiper significa superioridad, exceso; Realismo se significa como una forma de presentar las cosas tal como son, sin suavizarlas ni exagerarlas.
Entonces la palabra hiperrealismo nos lleva a la significación en la presentación de la realidad tal como es en su estado mas superior.

El Hiperrealismo es precedente del Realismo y la Fotografía(1). Pues el Realismo (movimiento pictórico que se ubica a mediados del siglo XIX) se caracteriza principalmente por la representación fiel de la realidad concentradose el pintor en mostrarse objetivo e imparcial excluyendo la idealización y la manipulación de preconceptos acerca de la belleza dedicandose a descubrirla y no ha crearla. Y la Fotografía (nacimiento que data de mediados del siglo XIX) que se presenta en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia como una herramienta empirica de demostración de la realidad teniendo una utilidad documental en la ciencia.

Como productores de Hiperrealismo se nos presenta un aspecto importante a estudiar: la presentación de la realidad en cuadro aún mejor de como lo hace la fotografía. Lo que revela tres factores a resolver:
1) La realidad del ejecutante. El mundo real del pintor se mueve en tres dimensiones alto, largo y profundidad; la realidad del pintor es comprobada cuando se puede tocar el objeto observado. Ahora hay que tomar en cuenta el factor de “realidad” que expresa un ser humano y el factor de “realidad” que expresa una maquina fotográfica. En la máquina fotografíca la realidad pasa al papel tal como es obervada, no existe el tamiz conceptual del objeto. Sin embargo el factor de realidad que es expresada por el ser humano siempre pasa por el tamiz conceptual acerca del objeto, haciendo complicada su representación física.
2) La realidad del material de representación. El pintor nos presenta la realidad que observa haciendo uso de los pigmentos y el lienzo, es decir del cuadro propiamente dicho. Y el cuadro tiene una realidad física que se mueve dentro de un contexto real de dos dimensiones alto y largo; la profundidad (que es una caracteristica del mundo tridimensional) solo es una mera representación que mediante el uso de lineas y colores recrea una sensación de existencia. Siendo así que la presentación de la profundidad en la pintura es una mera fantasía.
3) Definición de la realidad. La realidad es la existencia real y efectiva de algo. El pintor realista e hiperrealista expresa mediante el uso de la pintura la realidad que observa a modo de espejo, es decir se esmera por copiar lo que observa físicamente.

El productor de cuadros hiperrealista hace uso de varias herramientas para resolver el problema planteado. El uso de la fotografía asi como la proyección de la imagen en diapositiva sobre el lienzo para ayudarse en presentar la realidad. Algunos otros pintan el cuadro de cabeza para evitar los preconceptos. También se usa el aerografo para borrar trazas de pincel y asi evitar la significación conceptual del trazo en el cuadro.

Sin embargo y a pesar de todo el trabajo de técnica planteado en este movimiento estético no habrá de quedarse solo en la percepción de lo físico y solo ver la sorpresa de encontrar la maestria del pintor de copiar la realidad.
Nuestra tarea será entonces encontrar el valor estético de la obra y descubrir el espíritu que hace posible la vida.

Siendo así entonces que en el Hipperalismo la realidad se nos muestra tal cual es representando los objetos desprovistos de su contexto natural para poder sentirlos solo como ellos son. Un productor hiperrealista en algo similar a un cientifico en la colección de especimen para estudiar la maravilla de la vida y eso es lo que nos muestra.
Por eso la mayoría de los cuadros y las esculturas Hiperrealistas son de factura monumental pues eso ayuda a los espectadores a la sensación estética de vida y realidad.

Entonces no todo lo que se pinta Realista o superrealista es necesariamente Hiperrealista.

(1) Algunas publicaciones tratan al Arte Pop como precursor del Hiperrealismo ya que ambos son de tradición estadounidence y presentan la realidad, sin embargo no es asi pues el Hiperrealismo al presentar la imagen tal cual es no es su caracteristica crear iconografía para describir la sociedad en lo simbolico de la imagen de tal como lo hace el Arte Pop, sino describir lo real y objetivo.

Enlaces interesantes.

• Hiperrealismo 
• Hiperrealismo: otro arte posible 

Estoy cansada de escuchar y leer sandeces ingenuas acerca de crear arte.
Existen una serie de mitos que rodean al concepto “arte” muchos de ellos son alimentados por sociedades incapaces de percibir a la creación del arte como un medio mas de producción social y que para ello es necesario ser un profesional en la materia.
Los hay también que siendo profesionales del arte realimentan los mitos, convertiendose en bufones del rey.

Te confienso que yo misma he sido víctima de comentarios como: ¡Ah! ¿pintas? mi hijo de 4 años también pinta muy bonito.
Imaginate que lee diga a Gabriel García Marquez: ¡Ah eres escritor! yo también escribo desde los 6 años.

Algunos de los mitos que rodean la creación del arte:

+ El crear arte esta relacionado intimamente con la psicologia, tanto que existen libros y libros de analisis psicologicos acerca de pintores queriendo “descubrir” su personalidad.
+ Para crear arte no necesitas estudiar nada, el talento lo es todo.
+ La creación del arte es subjetivo.
+ La creación del arte ayuda a sanar.
+ El arte es necesario para crear conciencias.
+ El arte debe ser un medio recreativo.
+ El hacer arte debe ser revolucionario.
+ El artista nace con talento.
+ El arte es una inversión.
+ Para ser artista debes ser loco y/o drogadicto y/o alcoholico y/o desubicado.
+ Para crear obra de arte debes primero morir de hambre.
+ La venta de arte sirve para la donación de causas sociales.
+ La verdadera obra de arte es la que se vende en las galerías, las casas de subastas o la que esta colgada en los museos.
+ No hay objetividad en la creación del arte.
+ Todo es arte.
+ El arte debe impactar al espectador.

En la creación del arte hay estrategias, métodos de estudio y creación que son muy objetivos. Y si esto que digo no es cierto, no podrían volverse a representar formas una y otra vez por el mismo artista o por otros en la creación de movimientos artísticos (los famosos ismos: cubismo, realismo, impresionismo, tachismo,…etc).

Si no hubiera una metodología de trabajo no existiera la historia del arte y la critica del arte por ejemplo. Y sin la utilización de una metodología, el arte no podría enseñarse a otros.

Para el artista profesional el arte y su creación no es subjetivo; para el que lo consume si.

Debe existir alguna salida digna que me haga sentir que mi produción artistica es tan sencillamente presentada y consumida que no necesita de argumentos falsos para justificar su existencia a la sociedad.

¿Tu crees que un ingeniero necesite justificarle a la sociedad la construcción de un puente, una casa, un edificio o una carretera?