La pintura ha muerto o esta en coma

¿Qué es la pintura sino un montón de materia desplegada con voluntad en una superficie de dos dimensiones?

A lo largo de la historia de la pintura se ha investigado varias maneras de representación, cada una de ellas conlleva en si misma una declaración filosófica o estado cosmogónico de puntos de vista respecto a la realidad.

Pregunto, hasta donde tu recuerdas: ¿a partir de qué año se han dejado de hacer proporciones pictóricas? hasta donde recuerdo es el hiperrealismo una de las ultimas propuestas pictóricas y data de los años sesentas del siglo pasado.

Para definir. Una propuesta pictórica es el resultado de una investigación en donde las hipótesis se plantean mediante el uso de nuevos materiales (el acrílico ha sido uno de los últimos materiales inovativos y data de los años 50´s), las propuestas de composición que plantean nuevos discursos visuales (las composiciones planimétricas con Rothko, o la expresión del gesto en el Tachismo o del Arte Informal), la investigación en el uso del color y nuevas maneras de composiciones tonales (el uso de yuxtaposición de tonos en Los Impresionistas) e incluso la investigación en la estructuración de composiciones en formatos de dos dimensiones (el uso de la sección áurea o la perspectiva curvilínea). De lo que yo recuerdo casi todos estas innovaciones fueron en el siglo pasado.

Se habla mucho del arte contemporáneo como si todo lo que se presenta hoy en los grandes aparadores de bienales y exitosas galerías fuera arte contemporáneo.
Yo observo una masa informe de tendencias… quizá la tendencia hacia el caos y la capacidad de crear controversia hace de estas características las del arte contemporáneo.
Acerca de la pintura en el arte contemporáneo alguien me puede decir ¿qué se ha propuesto? Quizá desde este punto de vista sea válido el enunciado de la muerte de la pintura.

El saber pintar y dibujar bien ya no es de importancia cuando de propuestas pictóricas se trata. El pintar y dibujar bien son materias que se deben tener en cuenta en una buena propuesta pictórica, pero demostrarlo no lo es todo.

Nosotros los pintores estamos muy preocupados por las ventas de nuestro trabajo, asi como de sobresalir de los demas y que una galería nos represente. Todo esto es muy válido cuando de pagar la renta, comida y materiales se trata; pero ¿quién esta investigando en la pintura? Ya estamos en el siglo 21 y aun no se asoma la punta en el iceberg, de lo que se esta gestando como la nueva pintura.

El consumo del Arte

¿Para qué carajo sirve consumir arte? (teatro, cine, pintura, danza, instalaciones, intervenciones, música, literatura, poesía, objetos de arte, video, televisión)

Para entender este gran dilema, esta pregunta sin sentido, este anuncio de imbecilidad, este grito desesperado. Daré paso a la siguiente pregunta en la que quiza por dilucidación personal podrías comprender la razon por la cual es bueno o es malo consumir arte:
Para qué carajo sirve guardar papeles, engraparlos, sacarles copias, ponerles firma, llevarlos y traerlos…papeles que nos avalan como personas, tales como pasaportes, actas de nacimiento, papel moneda, diplomas, contratos con bancos (con empresas, de empleo, etc) papeles que se cosen y pegan y se hacen llamar novelas, enciclopedias, libros de texto, manuales, etc; que guardan y distribuyen información. Dicho lo anterior podrías decir entonces que el papel ha jugado un “papel importante” en las sociedades humanas y que por eso es muy importante conseguir “ese” papel a como de lugar.

Tu has consumido arte y quiza ni cuenta te has dado, el consumo del arte incluye ver y asimilar el objeto artistico y para que éste sea arte y no solo vana diversión; el objeto en cuestión debe contener en su discurso algo de plástico que lleve al espectador a visiones mas amplias acerca del tema tratado; quiza procese una fuga, quizá procese un rechazo, quizá procese ignorarlo.
Y es plástico porque el objeto creado es capaz de ser modelado y modelar el medio ambiente. Una pintura que al verla me procese un sentido de elevación ha modelado mi ambiente de facto. Lo mismo podría decir del artefacto que me produce aversión.

Se dice que una imagen dice mas que mil palabras y es que a veces mil palabras también forman imagen, y eso es arte.

El arte trabaja de la mano de la estética en el sentido mas plano de esta palabra. El consumir arte nos hace sensibles y por cierto mas inteligentes. Aqui y ahora la estética ya no significa en el sentido de ver lo bello bajo el criterio de un Canon de belleza Griega , sino mas bien en el sentido de la belleza que se encuentra en la pieza que nos permite infundir a partir de ella un deleite espiritual.

En el arte como en las personas: las hay preciosas y vacias o feas y sustanciales (o viseversa).
No debemos juzgar a un libro por su portada, aunque muchos lo hagamos, sugiero hacer un ejercicio de plasticidad y que cuando nos dispongamos a consumir arte, nos dispongamos en totalidad.

A veces muchos posponen el consumo del arte argumentando pobreza económica y aqui les digo que no se necesita tener dinero para consumir arte; el dinero solo sirve para obtener la pieza de arte y a veces ni la obtención de la pieza hace que una persona consuma arte, pues se me ocurre que el millonario que compró un Matisse en millones de dolares quiza no tenga tiempo para consumir a Matisse.

Habría definirnos ricos en el sentido estrictamente amplio de la palabra; el dinero hace millonarias a personas, pero no todas las personas millonarias son ricas.

¿Porque a muchos gobiernos y estructuras educativas no les importa la educación del arte? Pues porque solo les interesa personas ejecutantes, facilmente manipulables, que les genere dinero y les otorgen poder; y no les interesan personas pensantes, que reflexionan no solo sobre su medio ambiente sino a sobre si mismos. Cada sistema genera lo necesario. Y cada uno de nosotros tiene la libertad de consumir arte tenga uno dinero o no lo tenga.

Y ahora podremos responder ¿para qué carajo sirve consumir arte?

Preguntas para pensar

¿Porqué los pintores se afanan por tener y mantener un estilo? es como ir haciendo una marca de producto, ¿será un asunto de mercadotécnica? ¿que no se supone que una obra de arte aparte de otras caracteristicas es un producto único e irrepetible?

Es muy importante la parte de mercado en el quehacer pictórico, y comprendo que las personas buscar asir y comprender a base de repetición un producto que no entienden a la primera de cambio; pero que tanto debemos repetirnos a nosotros mismos, y dónde quedo la investigación del medio, la innovación…quizá ¿enterrado en el estudio?

Ya no quiero ser un robot

En tiempos pasados, mi sentido de artista estaba fundamentado en la cantidad de pinturas que estaba apurada en hacer y además posicionarlas en el mercado (digase galerías).

Antes mi neurosis rampante dictaba mi trabajo y me evaluaba a mi misma en la cantidad de obra que hacía cada dia o cada semana.  Hoy Me declaro imposibilitada a dar un paso mas allá del que naturalmente puedo hacer.

Darle al mercado o al consumo del arte lo que quieren ver y no lo que ofrezco,  es poner las riendas del carruaje en manos de los caballos.

Me tardo un montón de tiempo en terminar una pintura, cada pintura tiene su propio tiempo de cocción. Cada consumidor es importante por eso es menester darle tiempo a cada pintura, ¿cuál? la que ella misma necesite.

Es imposible crear obra en actitud robotica o fundamentada en la neurosis.

Hoy por hoy el 98% de mi producción pictórica no se encuentra en el mercado, pues en realidad mi objetivo es crear arte, no esta en crear producto artistico.

No me encuentro en el mercado porque no cumplo con las espectativas del mercado, pues el mercado solo sabe vender. Las espectativas del mercado estan en crear marca.

La creación del Arte esta posicionado en el lugar opuesto de crear una Marca (al estilo coca cola y asi) pues cada obra pictórica es única e irrepetible.

Me resisto a ser o convertirme en una marca. Yo no quiero ser un robot. No estudié para crear mercado.

La importancia de realidad en el Hiperrealismo.

El Hiperrealismo data de mediados del siglo XX , se desarrolla en los Estados Unidos y propone reproducir la realidad con mas objetividad de como lo hace la Fotografía.

Para empezar a comprender este movimiento estético habremos de descomponer la palabra hiperrealismo para empezar a entender lo que significa en si mismo la palabra. Hiper significa superioridad, exceso; Realismo se significa como una forma de presentar las cosas tal como son, sin suavizarlas ni exagerarlas.
Entonces la palabra hiperrealismo nos lleva a la significación en la presentación de la realidad tal como es en su estado mas superior.

El Hiperrealismo es precedente del Realismo y la Fotografía(1). Pues el Realismo (movimiento pictórico que se ubica a mediados del siglo XIX) se caracteriza principalmente por la representación fiel de la realidad concentradose el pintor en mostrarse objetivo e imparcial excluyendo la idealización y la manipulación de preconceptos acerca de la belleza dedicandose a descubrirla y no ha crearla. Y la Fotografía (nacimiento que data de mediados del siglo XIX) que se presenta en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia como una herramienta empirica de demostración de la realidad teniendo una utilidad documental en la ciencia.

Como productores de Hiperrealismo se nos presenta un aspecto importante a estudiar: la presentación de la realidad en cuadro aún mejor de como lo hace la fotografía. Lo que revela tres factores a resolver:
1) La realidad del ejecutante. El mundo real del pintor se mueve en tres dimensiones alto, largo y profundidad; la realidad del pintor es comprobada cuando se puede tocar el objeto observado. Ahora hay que tomar en cuenta el factor de “realidad” que expresa un ser humano y el factor de “realidad” que expresa una maquina fotográfica. En la máquina fotografíca la realidad pasa al papel tal como es obervada, no existe el tamiz conceptual del objeto. Sin embargo el factor de realidad que es expresada por el ser humano siempre pasa por el tamiz conceptual acerca del objeto, haciendo complicada su representación física.
2) La realidad del material de representación. El pintor nos presenta la realidad que observa haciendo uso de los pigmentos y el lienzo, es decir del cuadro propiamente dicho. Y el cuadro tiene una realidad física que se mueve dentro de un contexto real de dos dimensiones alto y largo; la profundidad (que es una caracteristica del mundo tridimensional) solo es una mera representación que mediante el uso de lineas y colores recrea una sensación de existencia. Siendo así que la presentación de la profundidad en la pintura es una mera fantasía.
3) Definición de la realidad. La realidad es la existencia real y efectiva de algo. El pintor realista e hiperrealista expresa mediante el uso de la pintura la realidad que observa a modo de espejo, es decir se esmera por copiar lo que observa físicamente.

El productor de cuadros hiperrealista hace uso de varias herramientas para resolver el problema planteado. El uso de la fotografía asi como la proyección de la imagen en diapositiva sobre el lienzo para ayudarse en presentar la realidad. Algunos otros pintan el cuadro de cabeza para evitar los preconceptos. También se usa el aerografo para borrar trazas de pincel y asi evitar la significación conceptual del trazo en el cuadro.

Sin embargo y a pesar de todo el trabajo de técnica planteado en este movimiento estético no habrá de quedarse solo en la percepción de lo físico y solo ver la sorpresa de encontrar la maestria del pintor de copiar la realidad.
Nuestra tarea será entonces encontrar el valor estético de la obra y descubrir el espíritu que hace posible la vida.

Siendo así entonces que en el Hipperalismo la realidad se nos muestra tal cual es representando los objetos desprovistos de su contexto natural para poder sentirlos solo como ellos son. Un productor hiperrealista en algo similar a un cientifico en la colección de especimen para estudiar la maravilla de la vida y eso es lo que nos muestra.
Por eso la mayoría de los cuadros y las esculturas Hiperrealistas son de factura monumental pues eso ayuda a los espectadores a la sensación estética de vida y realidad.

Entonces no todo lo que se pinta Realista o superrealista es necesariamente Hiperrealista.

(1) Algunas publicaciones tratan al Arte Pop como precursor del Hiperrealismo ya que ambos son de tradición estadounidence y presentan la realidad, sin embargo no es asi pues el Hiperrealismo al presentar la imagen tal cual es no es su caracteristica crear iconografía para describir la sociedad en lo simbolico de la imagen de tal como lo hace el Arte Pop, sino describir lo real y objetivo.

Enlaces interesantes.

Los mitos que lo rodean.

Estoy cansada de escuchar y leer sandeces ingenuas acerca de crear arte.
Existen una serie de mitos que rodean al concepto “arte” muchos de ellos son alimentados por sociedades incapaces de percibir a la creación del arte como un medio mas de producción social y que para ello es necesario ser un profesional en la materia.
Los hay también que siendo profesionales del arte realimentan los mitos, convertiendose en bufones del rey.

Te confienso que yo misma he sido víctima de comentarios como: ¡Ah! ¿pintas? mi hijo de 4 años también pinta muy bonito.
Imaginate que lee diga a Gabriel García Marquez: ¡Ah eres escritor! yo también escribo desde los 6 años.

Algunos de los mitos que rodean la creación del arte:

+ El crear arte esta relacionado intimamente con la psicologia, tanto que existen libros y libros de analisis psicologicos acerca de pintores queriendo “descubrir” su personalidad.
+ Para crear arte no necesitas estudiar nada, el talento lo es todo.
+ La creación del arte es subjetivo.
+ La creación del arte ayuda a sanar.
+ El arte es necesario para crear conciencias.
+ El arte debe ser un medio recreativo.
+ El hacer arte debe ser revolucionario.
+ El artista nace con talento.
+ El arte es una inversión.
+ Para ser artista debes ser loco y/o drogadicto y/o alcoholico y/o desubicado.
+ Para crear obra de arte debes primero morir de hambre.
+ La venta de arte sirve para la donación de causas sociales.
+ La verdadera obra de arte es la que se vende en las galerías, las casas de subastas o la que esta colgada en los museos.
+ No hay objetividad en la creación del arte.
+ Todo es arte.
+ El arte debe impactar al espectador.

En la creación del arte hay estrategias, métodos de estudio y creación que son muy objetivos. Y si esto que digo no es cierto, no podrían volverse a representar formas una y otra vez por el mismo artista o por otros en la creación de movimientos artísticos (los famosos ismos: cubismo, realismo, impresionismo, tachismo,…etc).

Si no hubiera una metodología de trabajo no existiera la historia del arte y la critica del arte por ejemplo. Y sin la utilización de una metodología, el arte no podría enseñarse a otros.

Para el artista profesional el arte y su creación no es subjetivo; para el que lo consume si.

Debe existir alguna salida digna que me haga sentir que mi produción artistica es tan sencillamente presentada y consumida que no necesita de argumentos falsos para justificar su existencia a la sociedad.

¿Tu crees que un ingeniero necesite justificarle a la sociedad la construcción de un puente, una casa, un edificio o una carretera?

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